Alda Merini / Le più belle poesie

Alda Merini

LE PIÙ BELLE POESIE

Le più belle poesie
si scrivono sopra le pietre
coi ginocchi piagati
e le mani aguzzate dal mistero.
Le più belle poesie si scrivono
davanti a un altare vuoto,
accerchiati da agenti
della divina follia.
Così, pazzo criminale qual sei
tu detti versi all'umanità,
i versi della riscossa
e le bibliche profezie
e sei fratello a Giona.
Ma nella Terra Promessa
dove germinano i pomi d'oro
e l'albero della conoscenza
Dio non è mai disceso nè ti ha mai maledetto.
Ma tu sì, maledici
ora per ora il tuo canto perchè
sei sceso nel limbo,
dove aspiri l'assenzio
di una sopravvivenza negata.

Alda Merini / So che un amore

Alda Merini

SO CHE UN AMORE

Alda Merini / Sé que un amor

So che un amore
può diventare bianco
come quando si vede un'alba
che si credeva perduta

Artemisia per Alda Merini, la mostra

Artemisia per Alda Merini, la mostra

Cinque pittrici, che si identificano in una sola identità, quella di Artemisia, raccontano, attraverso le loro opere, il senso della poesia e del personaggio di Alda Merini. Dall'8 al 14 ottobre a Milano

30 settembre 2019

Alle spalle hanno circa centinaio di mostre realizzate. Hanno scelto di lavorare nel mondo della pittura come professioniste, affiancandolo al lavoro di insegnanti di discipline artistiche.

Loro sono Francesca Bruni, Rita Carelli Feri, Renata Ferrari, Pea Trolli, Emanuela Volpe. Cinque pittrici che si identificano in un un’unica entità, quella di Artemisia, il cui lavoro si concentra principalmente sulle figure umane, spesso nudi. Una scelta dettata dalla maggiore facilità a entrare in sintonia con un soggetto duttile e sempre nuovo, che può di volta in volta trasformarsi ed assumere sembianze molto diverse.

Sarà possibile visionare le opere di Artemisia in occasione della nuova mostra, Artemisia per Alda Merini, in programma dal prossimo 8 ottobre in via Magolfa 32 a Milano. L’esposizione è un vero e proprio viaggio interpretativo del senso della poesia e del personaggio di Alda Merini, incredibilmente ricco di spunti e suggestioni. Ciascuna componente del gruppo racconta la personale visione di questa poetessa declinandola con il proprio linguaggio espressivo.

Orari della mostra:
martedì dalle 10.00 alle 13.00
mercoledì dalle 10.00 alle 22.00
giovedì dalle 13.00 alle 20.00
venerdì, sabato e domenica dalle 17.00 alle 20.00
lunedì chiuso

VANITY FAIR

Salinger, i nuovi misteri del «papà» di Holden

J.D. Salinger

Una nuova biografia che indaga l'enigmatica figura dello scrittore; un documentario al cinema; una nuova traduzione del suo romanzo più famoso, Il Giovane Holden: in attesa dei libri inediti previsti per il 2015, ecco come e perché Salinger è tornato improvvisamente in auge

09 MAGGIO 2014

di SILVIA DANIELI

Se una decina d'anni fa aveste provato a chiamare J. D. Salinger, probabilmente vi avrebbe sbattuto il telefono in faccia, in barba a quel che fa dire al ribelle protagonista del suo unico e celebre romanzo, quel Giovane Holden che dal 1951 continua a vendere almeno 250mila copie all'anno, superando i 60 milioni di libri venduti («quelli che mi lasciano proprio senza fiato sono i libri che quando li hai finiti di leggere e tutto quel che segue vorresti che l’autore fosse tuo amico per la pelle e poterlo chiamare al telefono tutte le volte che ti gira»).

La conferma, se ce ne fosse bisogno, arriva dal documentario Salinger (Il mistero del Giovane Holden) di Shane Salerno, in arrivo nelle sale per un solo giorno, martedì 20 maggio, grazie a Feltrinelli e Nexo Digital (l’elenco delle sale è su nexodigital.it).
Un lavoro monumentale - nove anni di produzione, sei anni di riprese, centinaia di persone intervistate - che cerca di scalfire la leggendaria impenetrabilità dell’autore scomparso nel 2010, a 91 anni, dando la parola a chi l’ha conosciuto da vicino, come amici, redattori e colleghi, o l’ha amato attraverso i suoi scritti (tra i fan illustri c’è anche Philip Seymour Hoffman, scomparso tre mesi fa).

Il montaggio è frenetico, le testimonianze si moltiplicano: ognuno offre la propria versione, ognuno dice la sua sull’autore che ha scelto consapevolmente di parlare solo attraverso le sue opere, che ha maledetto il successo de Il giovane Holden, e che si è ritirato nella campagna del New Hampshire, in una villetta diventata meta di pellegrinaggio di fan, giornalisti e scocciatori di ogni tipo.

L’atmosfera del documentario è quasi da thriller, ma non c’è un assassino da trovare. Piuttosto, c’è da capire cosa abbia ucciso l’innocenza di uno scrittore di raro talento, quali eventi l’abbiano fatto allontanare dalla pazza folla, cosa lo spingesse ad amare donne molto giovani, e a metterle alla porta quando osavano intromettersi tra lui e la scrittura.

L’indiziata numero uno è la Seconda Guerra Mondiale, che il ventenne Salinger combatte portandosi dietro sei capitoli del nascente Giovane Holden, 299 giorni in una trincea dalla quale uscirà inevitabilmente cambiato. Ferito.
Oggi, chissà come avrebbe reagito Salinger all’improvviso rinnovato interesse intorno alla sua schiva e amatissima figura, rifiorito senza neppure il pretesto di un anniversario?

In questi giorni esce in libreria per Isbn Salinger. La guerra privata di uno scrittore di David Shields e Shane Salerno, considerata la biografia definitiva dell’autore, da cui è tratto il documentario (l’11 maggio alle 18 Massimo Coppola e Gianluigi Ricuperati lo presentano al Circolo dei Lettori di Torino, il 19 maggio alle 18 Vincenzo Latronico e Luca Mastrantonio ne parleranno alla Libreria Feltrinelli Duomo a Milano); al Salone del Libro di Torino va in scena una maratona di lettura de Il giovane Holden, capeggiata da Matteo Colombo, che ha curato la nuova traduzione per Einaudi; a Hollywood si lavora per portare sul grande schermo un biopic dal titolo Salinger’s War, mentre nelle librerie Usa sta per uscire My Salinger’s Year (Knopf), memoir di Joanna Rakoff sul periodo, nei primi anni Novanta, in cui ha lavorato come assistente dello storico agente di Salinger, a stretto contatto con l’enorme mole di lettere che lo scrittore continuava a ricevere.

A dar retta ai due autori del documentario, che citano fonti autorevoli del JD Salinger Literary Trust, detentore di tutti i diritti sulle opere dell’autore, ci sono ancora molti inediti per cui ingolosirsi. Saranno pubblicati dal 2015, a intervalli regolari.
Festeggiate in rispettoso silenzio: probabilmente Salinger non avrebbe sopportato tutto questo baccano.

VANITY FAIR

Celia Paul, Painter and model, 2012

Celia Paul’s Painter and model

Celia Paul è una artista inglese nata nel 1959 in India, vive e lavora a Londra. Due suoi quadri, tra cui Painter and model del 2012, sono esposti alla mostra All too human, Bacon, Freud and a century of painting life, in corso fino al 27 agosto 2018 alla Tate Britain di Londra.

Painter and model di Celia Paul ha lo stesso titolo del quadro di Lucian Freud, che raffigura Paul in piedi con in mano i pennelli e il pittore, sdraiato nudo sul divano di fronte a lei. Nel suo quadro Celia Paul raffigura se stessa, pittrice e modella, seduta su una sedia, come spesso raffigurava la madre, il più frequente soggetto dei suoi quadri. Con Lucian Freud Paul  ebbe una  relazione in giovane età e un figlio, i due si conobbero alla Slade School of Fine Art di Londra, dove Paul studiava (Artist and muse Celia Paul, Independent, 10 ottobre 2012). Durante il periodo della loro relazione fu anche una sua modella. Dopo la fine della relazione con Freud Paul ha continuato a dipingere, sette opere della pittrice sono in mostra al Yale Center for British Art dal 3 aprile al 12 agosto 2018

Di recente l’artista ha dichiarato che i suoi prossimi quadri avranno come soggetto le ” potenti figure maschili “ della sua vita, ” Penso, ha detto, che sia ovvio che bisogna comprendere la propria posizione come donna in relazione a quello che rimane un mondo retto da uomini “. (New York Times, An artist’s Muse steps out of the Shadows with paintings of her own, 5 marzo 2018)

ultima modifica 2/04/18

LETTERATURAITALIA

Celia Paul / The Metropolitan Opera

Celia Paul, Painter and Model, 2012
Courtesy the artist and Victoria Miro, London



Celia Paul
THE METROPOLITAN OPERA

Celia Paul, Kate Resting, 2009
Courtesy the artist and Victoria Miro, London

Celia Paul
Waves, 2015 Celia Paul
Oil on canvas 
112.5 x 198 x 7 cm 44 1/4 x 78 x 2 3/4 in 
Courtesy the artist and Victoria Miro, London

Celia Paul
My Little Mother, 2000-2014
Oil on canvas
142.2 x 142.2 cm
56 x 56 in
Courtesy the artist and Victoria Miro, London

Celia Paul
My Mother Turning, 1999
Oil on canvas
167.6 x 137.2 cm
66 x 54 1/8 in
Courtesy the artist and Victoria Miro, London

Celia Paul
Alice, 2014
Oil on canvas
55.9 x 63.5 cm
22 x 25 in
Courtesy the artist and Victoria Miro, London

Celia Paul
Dark Painting of a Woman, 2000
Oil on canvas
161.3 x 85.2 x 8.3 cm
63 1/2 x 33 1/2 x 3 1/4 in
Courtesy the artist and Victoria Miro, London

Celia Paul
Mandy in Sunlight, 2014
Watercolour and pastel
25 x 28.2 cm
9 7/8 x 11 1/8 in
Courtesy the Artist, Adam & Rowe, and Victoria Miro, London

Celia Paul
Self-portrait, 2007
Pencil on paper
14 x 14 cm
5 1/2 x 5 1/2 in
Courtesy the Artist, Adam & Rowe, and Victoria Miro, London

Celia Paul
Kate in White, Early Summer, 2015
Oil on canvas
127 x 101.6 cm
50 x 40 in
Courtesy the artist and Victoria Miro, London

Celia Paul
Tide, 2015
Oil on canvas
106.7 x 142.2cm
42 x 56 in
Courtesy the artist and Victoria Miro, London

Celia Paul
Gillian II, 1994-95
Oil on canvas
122 x 122 cm
48 1/8 x 48 1/8 in
Courtesy the artist and Victoria Miro, London

Celia Paul
Linda, 1989
Ink and pastel on paper
52 x 49.5 cm
20 1/2 x 19 1/2 in
Courtesy the artist and Victoria Miro, London

Hilton Als
Celia. Cambridge University. July 10, 2014
Courtesy the artist and Victoria Miro, London

Grand Tier and Gallery Met

 

THE METROPOLITAN OPERA

Il volo dei putti di Vasari dal suo soffitto alla Sicilia

Il volo dei putti di Vasari dal suo soffitto alla Sicilia

ADRIANA RICCOMAGNO

PUBBLICATO IL

23 Ottobre 2019

Quarant’anni in una collezione privata, poi la scoperta: i due pannelli dipinti a olio, a lungo attribuiti a un discepolo del raffaelliano Innocenzo da Imola, ma in realtà dipinti da Giorgio Vasari, probabilmente erano parte del soffitto della casa dell’artista. Per la prima volta dopo il recente riconoscimento come parte del polittico del più noto esponente del Manierismo, le due opere arriveranno a Torino per la settima edizione di Flashback, in programma al Pala Alpitour dal 31 ottobre al 3 novembre.

«L’opportunità di esporre opere del Vasari è importante perché conferisce prestigio alla manifestazione – spiega Ginevra Pucci, che ne è curatrice insieme a Stefania Poddighe: Inoltre la storia dei due dipinti ci richiama al tema di quest’anno, “Gli Erranti”, perché il viaggio che le porterà da noi è stato lungo e tortuoso».

Le coppie di putti, allegorie di estate e inverno, arriveranno da Londra con la Galleria Piacenti ma la loro storia, che pur mantiene un alone di mistero, è stata illuminata negli Stati Uniti: «L’unica mappa per ricomporre i pezzi del cielo perduto in cui fluttuano i soggetti è un disegno preparatorio custodito all’Art Institute di Chicago, a lungo attribuito a Prospero Fontana. Dal 2015 Philip Pouncey e Florian Härb hanno confermato che sia i panelli superstiti che il disegno preparatorio sono di Giorgio Vasari».

Secondo la ricostruzione degli studiosi, le quattro allegorie delle stagioni circondano la scena biblica di Eliezer che incontra Rebecca e la sceglie come sposa per Isacco dopo aver avuto prova della sua bontà: «I quadri hanno viaggiato da una dimora toscana del Vasari a una collezione siciliana e che, per stile, appare antecedente alle allegorie delle stagioni. Anche per questo è difficile risalire a una datazione precisa di queste opere».

Flashback.  Dal 31 ottobre al 1 novembre al Pala Alpitour di Torino.

LA STAMPA

Pier Paolo Pasolini (1922-1975)

Pier Paolo Pasolini
David Levine

Pier Paolo Pasolini (1922-1975)

Giuseppe Barreca

Lunedi 2 novembre 2009

È impossibile parlare di Pier Paolo Pasolini in poche righe; ma vorrei provare a scrivere alcune cose che galleggiano nella mia mente; lo faccio senza un progetto espositivo, ma quasi d’istinto, a 34 anni di distanza dal suo assassinio, il 2 novembre 1975.

Lui stesso non amerebbe la retorica, né alcuna celebrazione; sarebbe superfluo dire Pasolini che “ci” manca… sì, manca anche a noi nati durante gli anni Settanta, che non l’abbiamo conosciuto, se non attraverso le sue poesie, i suoi libri, i suoi romanzi, i suoi film, le sue apparizioni televisive.

Quando scrive Le ceneri di Gramsci (qui c’è un'interessante analisi del testo mentre qui c’è il testo), Pasolini è giovane; crede ancora, forse, nel proletariato italiano (o meglio nel sottoproletariato), inteso non tanto come classe sociale rivoluzionaria, bensì come insieme di individui capaci di intercettare e incarnare ancora il sentimento autentico della vita, la genuinità dell’esistere.

Per inciso, i versi de Le ceneri di Gramsci possiedono anche un notevole valore poetico, perché i componimenti sono scritti impiegando magistralmente la terzina dantesca, una metrica non utilizzata nella poesia italiana d’allora, sempre più favorevole al verso libero; non solo, nella poesia si riscontrano echi di Giovanni Pascoli, eppure Pasolini appare ugualmente moderno, un anticipatore delle avanguardie poetiche degli anni ’60.

Pasolini credeva nel popolo, non nella “gente”, come si dice oggi, e neppure nella “pubblica opinione” o nella triste “società civile”. Non era però populista, né demagogo, bensì, potremmo dire, un popolare. Anni più tardi, deluso dal sottoproletariato italiano che, folgorato dal boom economico, si dedica al consumismo e smarrisce se stesso, Pasolini volgerà altrove il suo interesse per una forma di vita semplice, primigenia. Il consumismo secondo lui diventa una specie di droga che annichilisce lo spirito di rivolta del proletariato, e lo tiene alla catena, lo controlla, proprio grazie al “benessere” (TV, lavatrice, lavastoviglie, automobile). Viene fatto credere che questo benessere sia alla portata di tutti: l’importante è lavorare e tacere. Che non avere l’automobile è una vergognosa mancanza, mentre non leggere libri non è qualcosa di grave. È questo consumismo una nuova forma di fascismo, anzi, il vero fascismo, mascherato da regime democratico, si domanda in questo video il poeta...

Un uomo come Pasolini odia il conformismo piccolo borghese, anche se non è, lui, un intellettuale radical-chic, bensì un uomo che cerca il popolo, nelle sue opere, nei film, nelle sue storie che racconta (che descrive nei suoi romanzi, si pensi a Ragazzi di vita), ma anche dentro le notti romane. È proprio l’avversione verso il conformismo piccolo-borghese che guida molte sue riflessioni L’emancipazione del sottoproletariato avviene dunque non attraverso una rivolta, o un riscatto della propria vita che possa salvaguardare e arricchire il carattere autentico, genuino dell’esistenza. Tale riscatto, invece, avviene adeguandosi ai canoni borghesi della vita ordinaria, attraverso il trinomio casa-famiglia-lavoro.

Si pensi a Ragazzi di vita, romanzo uscito nel 1946. Uno dei primi eventi che rapisce l’attenzione del lettore è contenuto nel primo capitolo del libro, quando il protagonista (un ragazzo del sottoproletariato, che, come diremmo oggi, “vive di espedienti”), il Riccetto, si getta dalla barca in mezzo al fiume per salvare una rondine che stava affogando. A questo episodio corrisponde specularmente, in opposizione, un avvenimento posto quasi all’epilogo del romanzo. In questo caso il Riccetto - scontati gli anni di carcere e “messa la testa a posto”, secondo i canoni borghesi del “casa-lavoro-stipendio” -, pur commuovendosi, non muove un dito per salvare dall'annegamento nel fiume Aniene il giovane Genesio, considerando la situazione troppo rischiosa per intervenire. Il primo Riccetto, quello delle vagabonde scorazzate, degli espedienti più o meno legali per sopravvivere, dei furti e delle disonestà, è un ragazzino capace di provare un sentimento di pietà e di compassione per un uccellino, tanto da non indugiare un solo secondo per salvarlo; di contro, il Riccetto responsabilizzato, quasi borghese è, come dice lo stesso Pasolini, un personaggio piatto, vuoto, che, influenzato dai canoni della società borghese, ha perduto quegli slanci di pura umanità che permanevano sotto la scorza da piccolo delinquente; egli è rimasto intrappolato in quello spirito egoista da membro della classe media - cui nonostante tutto non apparterrà mai - abbandonando definitivamente quei tratti di peculiarità popolana che la vita di borgata gli aveva cucito addosso.

Negli anni ’60, secondo Pasolini ormai lo spirito autentico dell’uomo non esiste più nella decadenti società occidentali; o forse i veri figli del popolo, nella società italiana che a fine anni ’60 sembra, in apparenza, scuotersi dal torpore conformista, esistono ancora. Ma Pasolini li “trova” dove meno ce l’aspetteremmo: tra i poliziotti, impegnati il 1 marzo 1968 a contrastare gli studenti universitari che manifestavano a Roma: "Il PCI ai giovani". Con questa poesia Pasolini non intende, semplicisticamente, assumere una posizione da bastian contrario e difendere i poliziotti contro gli studenti in rivolta, ma vuole rimarcare come la generazione del 1968 fosse ormai in ritardo e, resa “molle” da anni di benessere e consumismo (loro sono i “figli di papà”), non fosse più in grado di porsi veramente come punta di diamante del cambiamento dell’Italia, un paese ormai annegato in un conformismo feroce.

Non so Pasolini avesse ragione; non c’è qui spazio per parlare del ’68, di quello che ne seguì: del rinnovamento della società italiana, del costume, ma anche della violenza politica. Forse non vale la pena nemmeno rammentare come molto ex-sessantottini siano finiti “dall’altra parte”. Piuttosto, la nostra generazione dovrebbe chiedere conto ai nostri padri, perché ci hanno “lasciato” una società dove si fatica a trovare una collocazione, dove il precariato lavorativo è spesso una costante. Sembra quasi che, usciti sani e salvi dalla faticosa ricostruzione post-bellica, la generazione dei nostri padri si sia pappata tutto, lasciando a noi solo delle briciole, mentre molti di loro, ancora, occupano i posti di potere. Chissà se Pasolini aveva intuito anche questo.

Tornando a lui, dicevo… questo trionfo del consumismo, dell’omogeneizzazione culturale sarebbe favorito secondo Pasolini da un (allora) nuovo strumento culturale, che per definizione, essendo un “mass-media”, tende alla mediocrità, a livellare verso il basso di questo paese, al di là delle intenzioni di chi ci lavora. Fa impressione sentire Pasolini che, negli anni ’60, afferma che la TV, come mezzo di massa, è alienante (in senso marxista?), sia perché “mercifica” quel che si dice, sia perché rende lo spettatore “inferiore” rispetto a colui che parla in TV che viene visto come “superiore”, non per le cose che dice, bensì solo perché appare in televisione.

La lucidità di un uomo come Pasolini colpisce perché egli è stato capace di vedere e denunciare fenomeni culturali e sociali (il consumismo, l’appiattimento culturale della società, la vittoria del superfluo, del materialismo, la ricerca del successo a ogni costo) che ai suoi tempi erano ancora in embrione e che solo più tardi prenderanno forma, soprattutto dopo gli anni ’80.

Naturalmente, Pasolini era anche un uomo del suo tempo; non si vuole dire che egli avesse sempre ragione, né che non sbagliasse mai. Nelle cose che dice o scrive si possono senz’altro trovare opinioni che non si condividono. Ma in lui sembra rilucere, sempre, una ricerca, disperata, dell’autenticità; come se per lui cadere nel pregiudizio, nel populismo, nell’ovvietà, fosse un delitto, una resa ignominiosa alla terribile cultura di massa.

Pasolini era un “diverso” per scelta, potremmo dire; non perché fosse omosessuale, né perché vivesse appieno questa sua omosessualità. Ma perché non taceva; perché non aveva paura di dire quello che pensava, sempre. Un intellettuale come lui, in una società che teme un pensiero che si distingue dagli altri, è condannato alla solitudine. A una solitudine talvolta cercata, altre volte sofferta. E solo la compagnia dei suoi ragazzi di vita, la sera, forse gli dava requie. Eppure era un uomo che, sebbene facesse scandalo, non desiderava farlo, né stupire per degli eccessi. Ecco, Pasolini odiava chi si scandalizzava. Nel suo film-documentario “Comizi d’amore”, a un certo punto egli dialoga con Alberto Moravia e Cesare Musatti proprio sul senso della parola “scandalizzarsi. Moravia afferma che “le cose che si capiscono non scandalizzano”. Una frase su cui riflettere bene ancora oggi.

POESIA E SCRITTURA